Hotel Inframundo

"Los Amantes" de Renè Magritte, 1928

Hasta el dìa domingo 2 de diciembre se pudo presenciar, en la Sala Anna Julia Rojas de Unearte, esta obra llevada a cabo  por el bailarìn y coreògrafo Leyson Ponce y la Compañìa Universitaria de las Artes. Hotel Inframundo, es un recorrido escènico por cuatro habitaciones y una àrea comùn.

La obra, combina teatro y danza de una manera muy particular y abarca gèneros artìsticos con montajes del siglo XX, dàndole a èstos un toque contemporàneo. El escenario de la Sala Anna Julia Rojas fue dividido en cuatro escenarios distintos: en estos escenarios, se realizaban cuatro obras de manera simultànea, cosa que para muchos de los espectadores (incluyendòme) resultaba algo totalmente fantàstico, ya que aunque se mezclaban de alguna manera los diàlogos y la mùsica de las obras que no se estaban presenciando, los bailarines, de manera genial te atrapaban en lo que estaban haciendo, te hacìan parte de su obra, se mostraban con mucha ingenuidad e inteligencia su mundo,  el mundo que estaban representando, los bailarines expresaban todo aquello que tenìan que decir, sin palabras, mediante gestos o incluyèndo al pùblico, sin importar el orden en que las comencè a ver.

La primera obra se titulaba "La Rosa de Papel", que fue creada por Ramòn del Valle-Inclàn en 1924,  y en la Compañìa, fue personalizada por Ildemar Saavedra y Yarua Camagni. Representaba, el Expresionismo.
La segunda obra, se titulaba "Cuento de labios en flor", que fue creada por Gregorio Martìnez Sierra y Marìa de la O Lejàrraga en 1905, fue representada por las bailarinas Irene y Gabriela Bracamonte. Era parte del Simbolismo.
La tercera obra, "La luz negra" fue creada por Àlvaro Menèn Desleal, en 1961, las bailarinas en esta ocasiòn fueron Ariana Melean y Margarita Morales. El estilo representado fue el Surrealismo.
La cuarta obra, se titulaba "La cantante calva" que fue creada por Eugene Ionesco en 1950. Los bailarines fueron Brian Landaeta y Tàbata Toledo. Se representaba el Teatro del absurdo.
Por ùltimo, se presentò la obra "Fragmento de un diario de infierno" que fue creada por Antonin Artaud en 1926. Todos los bailarines de las obras anteriores participaron en esta pieza, que combinaba una propuesta muy interesante y moderna, puesto que  combinaba elementos nuevos, como el videoarte.

Bailarines de la obra "La rosa de papel"

 

 

 

Gina Pane (1939-1990)

Uso del cuerpo como vehículo de expresión.

Esta artista francesa, comienza con su actividad en la década de los 70. Su trabajo está relacionado con el Body Art, aquí, se utiliza el cuerpo como medio de expresión, es decir, es el lienzo de la obra. Tiene sus antecedentes en los trabajos de Yves Klein y Piero Manzoni. 

Gina Pane, lleva sus acciones al límite, utiliza su cuerpo para dar un mensaje agresivo y simbólico. Hace que los espectadoras vean al mismo de manera sexual y de fecundidad, y a manera de regeneraciòn, es por ello, que utiliza la sangre en sus performances, para dar ese mensaje de vida y muerte.

Su manera de expresiòn resulta muy interesante, ya que muestra la realidad del cuerpo: su dolor, la fragilidad y la memoria de todos sus actos.

«Pierdo mi identidad reencontrándola en los otros, un vaivén, un equilibrio de lo individual y de lo colectivo, el cuerpo transindividual. Sufro, luego existo» Gina Pane.

Algunas de sus obras son:

Escalade non anesthesiée, 1970, 1971: Hace alusiòn a que todo es mundo està de alguna manera anestesiado por lo ocurrido en la guerra de Vietnam.

Acción sentimental, 1973: Gina intenta enfrentarse al temor a la muerte y aprender de la existencia.

The Conditioning, first action of Self-Portrait(s), 1973: La artista se posa sobre una estructura de metal sobre unas velas encendidas mientras que el público observa lo que sucede.

Psyché, 1974: ”Dios es obligatoriamente algo que está muy presente”.

Cuerpo presente, 1975

Èste, es un homenaje realizado a la artista Gina Pane, espero que lo disfrutes.

 

"ORIGEN DEL TEATRO"

El arte surge con el hombre. Nace en el momento en que este siente la necesidad de expresar algún sentimiento a través de un medio distinto del lenguaje convencional, cuando el hombre busca representar sus deseos inquietudes y temores. Es así como el origen de la representación teatral se suele situar en las antiguas ceremonias rituales de los hombres primitivos. En estas se representaban escenas simples  vinculadas a la relación entre estos hombres y sus dioses. En un principio al parecer, estas ceremonias fueron muy específicas  y respondían a las necesidades básicas: pedir un buen tiempo para las cosechas, una buena caza o que terminara alguna calamidad. Con el tiempo, la forma de vida y las necesidades del hombre se fueron complejizando y diversificando.

       En Grecia  cuna del teatro occidental, la representación teatral se convirtió en un espectáculo de masas: tragedia y comedia servían para que el público llorara o riera junto a los personajes, héroes o bufones. Poco a poco se fue dejando de lado el aspecto ritual: ya no eran los dioses sino el hombre y sus conflictos (cada vez más complejos) lo mas importante. La “formula” griega, sin embargo, no fue la única que surgió.

      Las diversas formas de teatro oriental también tuvieron su origen en las antiguas ceremonias rituales, sobre todo en danzas provenientes de la India. A diferencia del teatro occidental que poso gran énfasis en la palabra, las formas teatrales orientales se centraron básicamente en el movimiento (de allí la importancia de la danza en el teatro oriental). Cada movimiento del actor tiene un significado y en algunos casos se prescinde del texto o del decorado, sin que esto le reste expresividad a la representación. 

Orlan

Uso del cuerpo como soporte artístico.

Esta artista contemporánea nace en Francia en el año 1947, basa su trabajo en la modificación del cuerpo, de su cuerpo, con la intención de mostrar  que éste no nos pertenece, que es solamente un instrumento que nos hace estar presentes en el mundo.

Su trabajo llega hasta el límite de todo lo establecido, denuncia las presiones sociales que son ejercidas hacia el cuerpo femenino, que es materializado e idealizado de acuerdo a las distintas culturas.

Orlan, transforma su rostro de acuerdo a los diferentes personajes femeninos que han existido a lo largo de la historia. Toma o se adueña de sus caracterìsticas màs resaltantes, ademàs de realizar una investigaciòn previa de su biografìa para conocer sus personalidades ante todo.

Extracto de una entrevista realizada a Orlan por Corinne Sacca Abadi, el 15 de junio de 1997 en Venecia.(Fragmento)
C.S.A.) Con tus obras no hay duda que pretendes extender los límites del arte, me pregunto hasta dónde es eso posible manteniendo las características del arte mismo. ¿Cuáles son tus límites, Orlan? ¿Dónde se rompe la cuerda?
Orlan:) No tengo límites, por eso soy una artista radical. Mi acción es precursora de un cambio de status del cuerpo, hay que repensar el cuerpo desde lo político, social, mi obra denuncia las presiones sociales ejercidas sobre el cuerpo femenino.
C.S.A.) Se diría que quisieras poner todas tus energías en evitar la muerte.
Orlan:) Es terrible tener que envejecer y morir. No lo acepto, no, nunca lo voy a aceptar.
C.S.A.) Volvamos a tus operaciones, tus performances en el quirófano me despiertan sentimientos encontrados, pienso que se produce una caída de la metáfora, quiero decir que cuando utilizas el cuerpo para referirte a las conflictivas que suscita en lugar de hacer una alusión poética a su dramática, tu obra produce un grado tal de concreción en lo real que me recuerda la relación entre erotismo y pornografía.
Orlan:) (Visiblemente enojada) Ah! No, de ninguna manera, en mis performances hay mucha poesía, lo dicen los mejores críticos, yo armo una "mise en scene" bellísima, la música está muy cuidadosamente elegida, el vestuario, las lecturas durante la operación, todo es muy elaborado. Lo que ocurre es que mi transgresión es brutal, es revolucionaria, es totalmente radical y eso no es fácil que lo entiendan todos. Yo confío en el dictamen del próximo siglo, de todos modos yo nunca produciría un arte que sea aceptado sin cuestionamientos, porque sólo creo en un arte radical y absoluto.
C.S.A.) Yo creo que toda tu obra es como un gran desafío a la muerte pero que en realidad le tienes tanto horror a la muerte que no puedes imaginarte muerta. ¿Me equivoco...?Podrías fantasear ahora una obra con relación a tu muerte?
Orlan:) Yo he dado mi cuerpo al arte. Después de mi muerte no se lo daré a la ciencia, sino a un museo. Será la pieza central de una instalación con vídeo, ya lo he previsto todo pero no quiero hablar de mi muerte, yo no la creo, pienso que en el futuro la gente no va morir, la ciencia, te decía, brinda esperanzas, y si tengo que morir demostraré que soy una artista hasta el final. (Si quieres disfrutar la entrevista completa visita antroposmoderno.com/antro-artìculo.php?id_articulo=875)

En los siguientes videos, encontraras algunos de los trabajos de esta polèmica artista.

Artistas Contemporáneos

Yoko Ono

La artista famosa más desconocida del mundo.

Nace el 18 de febrero de 1933 en Tokio, Japón. Es una de las artistas plásticas contemporáneas que formó parte del movimiento Fluxus en la década de los 60.

Se distingue por crear performances, instalaciones y happenings, su temática está muy ligada a estar a favor de la paz, además de tratar con todo lo relacionado a la vida y la muerte, la esperanza y el futuro.

Es una artista que constantemente ha ido innovando y rompiendo con todas la barreras de la creación, sus trabajos son muy íntimos, pero al mismo tiempo buscan la participación del público para       convertirse en verdadero arte. Es en la década de los 60 cuando ella dirige 16 películas aproximadamente; destacan "Bottoms", "Rape" y "Fly".

Se casó en tres oportunidades, pero su pareja más conocida fue Jhon Lennon, cantante del grupo Los Beatles. Ambos, crearon eventos importantes en contra de la guerra en Vietnam, se conocían como los happenings de"Love and Peace". Cuando se casan en 1969, hacen el evento de "Bed in for peace" en el Hotel Hammilton de Gibraltar. De allí, nace la famosa frase de "Haz el amor, no la guerra".

Al morir Lennon en 1980, ella sufre una gran depresión y la mayoría de sus trabajos en esa época hasta la actualidad están dedicados a la memoria de él y a su legado. Pero de alguna manera, ella siguió creando instalaciones y mostrando un nuevo interés por la fotografía.

Se puede decir, que el trabajo más importante que realizó Yoko en su carrera es el performance"Cut Piece", que data del año 1964, y rompe con el tabú del desnudo en la sociedad moderna.

Aquí te dejamos una muestra del mismo para que lo disfrutes.

 

Aquí, se dará una pequeña muestra del mundo de las artes plásticas y el teatro. Dedicado a ese artista que todos llevamos en nuestro interior y que queremos dar a conocer al mundo exterior.